Νέα

ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ ΘΕΑΤΡΙΚΗΣ ΣΚΗΝΟΘΕΣΙΑΣ

Κάθε σκηνοθεσία αρχίζει ως επιθυμία. Επιθυμία συνομιλίας με ένα έργο μέσω ενός παραστασιακού γεγονότος.

Πώς δομείται όμως αυτή η συνομιλία και ποια είναι τα συστατικά της στοιχεία;

Κατανόηση του έργου και δραματουργική ανάλυση, σκηνική φαντασία και συνομιλία με τον σκηνικό χώρο, βασικές γνώσεις σκηνογραφίας, ενδυματολογίας, μουσικής και ηχητικής επένδυσης, θεατρικού φωτισμού και σκηνικής τεχνολογίας, ικανότητα διδασκαλίας των ηθοποιών, είναι κάποια από τα πεδία που απαιτούνται για ένα ξεκίνημα.

Η σκηνοθεσία είναι όμως μία σύνθεση. Όπως κάθε σύνθεση προϋποθέτει λοιπόν την δομική οργάνωση όλων των επιμέρους στοιχείων της σ' ένα οργανικό σύνολο, όπου η αντιστικτική τους συνύπαρξη οργανώνεται μέσα στον αληθινό χρόνο της παράστασης.

Κάθε παράσταση είναι μια σύνθετη κατασκευή. Εκτός από την αισθητική και συνθετική της διάσταση, έρχεται αντιμέτωπη με μια σειρά πρακτικών ζητημάτων παραγωγής, που όλο και περισσότερο απαιτούν από τον/την σκηνοθέτη τουλάχιστον μια βασική γνώση και ικανότητα διαχείρισης τους.

Η σκηνοθεσία είναι μια διαρκής συνεργασία. Συνεργασία με άλλους δημιουργούς, συντελεστές και ηθοποιούς. Έχει στο κέντρο της λοιπόν τη διαχείριση ανθρώπινου δυναμικού με όλες της τις πτυχές και ιδιαιτερότητες.

Το εργαστήρι θεατρικής σκηνοθεσίας θα προσεγγίσει όλα αυτά τα θέματα θεωρητικά αλλά και πρακτικά. Το πρώτο εβδομαδιαίο τρίωρο θα επικεντρωθεί στο θεωρητικό κομμάτι, όπου θα συζητηθούν και αναπτυχθούν όλες οι πτυχές των αρχών της θεατρικής σκηνοθεσίας με ανάλυση παραδειγμάτων. Το δεύτερο θα αφιερωθεί στην πρακτική εφαρμογή του πρώτου. Οι συμμετέχοντες θα προτείνουν έργα και θα οργανώσουν αρχικά την ομαδική και στη συνέχεια την προσωπική τους σκηνοθετική προσέγγιση.

Στόχος του εργαστηρίου είναι όλοι οι συμμετέχοντες να έχουν δοκιμάσει μικρά σκηνοθετικά εγχειρήματα στη διάρκειά του.

Χρόνος: 2 τρίωρα την εβδομάδα : Τρίτη 18:00-21 :00 και Πέμπτη 16:30-19:30

Έναρξη Σεμιναρίου Τρίτη 19 Δεκαμβρίου 2017 και λήξη Πέμπτη 29 Μαρτίου 2018

Κόστος Σεμιναρίου : 280 ευρώ

Υπεύθυνος εργαστηρίου: Κ. Αλέξης Αλάτσης

Πληροφορίες : Γραμματεία Αρχη 12:00 -17:00 , τηλ 2108810496, www.arhi.gr

και θέατρο στο Παρίσι και στο Αμβούργο. Εργάστηκε αρχικά ως βοηθός Ο Κ. Αλέξης Αλάτσης γεννήθηκε στην Αθήνα. Σπούδασε μουσικολογία, μουσική σκηνοθέτη σε όπερα, θέατρο και χοροθέατρο (με τους Derek Jarman, Achim Freyer κ.α.) και στη συνέχεια ως σκηνοθέτης από το 1989 σε πολλές χώρες του εξωτερικού. Εργάστηκε από το 1993 ως το 2001 στο Διεθνές Κέντρο Παραστατικών Τεχνών Kampnagel του Αμβούργου ως διευθυντής σκηνής και παραστάσεων, υπεύθυνος παραγωγής, στη διοργάνωση διεθνών φεστιβάλ κλπ.

Γύρισε στην Ελλάδα το 2002 και εργάστηκε διαδοχικά ως Διευθυντής Τομέα Πολιτισμού του ΑΘΗΝΑ 2004, Καλλιτεχνικός Διευθυντής της Πολιτιστικής Πρωτεύουσας ΠΑΤΡΑ 2006 και Καλλιτεχνικός Διευθυντής του Ιδρύματος Μιχάλη Κακογιάννη. Το 2011 ήταν Σύμβουλος Δραματολογίου του Θεάτρου Τέχνης Κάρολος Κουν. Συμμετείχε ως προσκεκλημένος master artist στο Directors Lab (εργαστήρι σκηνοθεσίας) του Lincoln Center της Ν. Υόρκης το 2011.

Οι πιο πρόσφατες σκηνοθετικές του δουλειές (επιλεκτικά) είναι: «ΓΥΝΑΙΚΑ ΒΟΜΒΑ» της Ivana Sajko (Haus der Sinne, Βερολίνο, Θέατρο της Οδού Κεφαλληνίας –Β' Σκηνή, Αθήνα 2017), «Το τέλος του έρωτα» του Pascal Rambert (Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης, Φεστιβάλ Γαλλικού Θεάτρου, Αθήνα 2015), «Περί Ζώων» της Ελφρίντε Γέλινεκ (Θέατρο ΤΕΧΝΗΣ – Κάρολος Κουν, Αθήνα 2012), «Ένα Ονειρόδραμα» του Στρίντμπεργκ (Directors Lab 2011, Lincoln Centre, New York), «Dantons Tod» / Ο Θάνατος του Δαντόν του Georg Büchner(Θέατρο BAT, 2011, Βερολίνο, Γερμανία), «CRAVE» [ΔΙΨΑ] της Sarah Kane (Θέατρο ΤΕΧΝΗΣ – Κάρολος Κουν, Αθήνα 2010).

Έχει μεταφράσει πολλούς σύγχρονους θεατρικούς συγγραφείς (Σάρα Κέιν, Μάρτιν Κρίμπ, Ελφρίντε Γέλινεκ, Πέτερ Χάντκε, Χάινερ Μίλλερ, Αλεξάντρα Μπαντέα, Σάαρα Τούρουνεν κ.ά.).

Ημερομηνία δημοσίευσης: 15/12/2017

ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ ΘΕΑΤΡΙΚΗΣ ΣΚΗΝΟΘΕΣΙΑΣ

ΕΡΓΑΣΤΗΡΙΟ ΘΕΑΤΡΙΚΗΣ ΣΚΗΝΟΘΕΣΙΑΣ

Κάθε σκηνοθεσία αρχίζει ως επιθυμία. Επιθυμία συνομιλίας με ένα έργο μέσω ενός παραστασιακού γεγονότος.

Πώς δομείται όμως αυτή η συνομιλία και ποια είναι τα συστατικά της στοιχεία;

Κατανόηση του έργου και δραματουργική ανάλυση, σκηνική φαντασία και συνομιλία με τον σκηνικό χώρο, βασικές γνώσεις σκηνογραφίας, ενδυματολογίας, μουσικής και ηχητικής επένδυσης, θεατρικού φωτισμού και σκηνικής τεχνολογίας, ικανότητα διδασκαλίας των ηθοποιών, είναι κάποια από τα πεδία που απαιτούνται για ένα ξεκίνημα.

Η σκηνοθεσία είναι όμως μία σύνθεση. Όπως κάθε σύνθεση προϋποθέτει λοιπόν την δομική οργάνωση όλων των επιμέρους στοιχείων της σ' ένα οργανικό σύνολο, όπου η αντιστικτική τους συνύπαρξη οργανώνεται μέσα στον αληθινό χρόνο της παράστασης.

Κάθε παράσταση είναι μια σύνθετη κατασκευή. Εκτός από την αισθητική και συνθετική της διάσταση, έρχεται αντιμέτωπη με μια σειρά πρακτικών ζητημάτων παραγωγής, που όλο και περισσότερο απαιτούν από τον/την σκηνοθέτη τουλάχιστον μια βασική γνώση και ικανότητα διαχείρισης τους.

Η σκηνοθεσία είναι μια διαρκής συνεργασία. Συνεργασία με άλλους δημιουργούς, συντελεστές και ηθοποιούς. Έχει στο κέντρο της λοιπόν τη διαχείριση ανθρώπινου δυναμικού με όλες της τις πτυχές και ιδιαιτερότητες.

Το εργαστήρι θεατρικής σκηνοθεσίας θα προσεγγίσει όλα αυτά τα θέματα θεωρητικά αλλά και πρακτικά. Το πρώτο εβδομαδιαίο τρίωρο θα επικεντρωθεί στο θεωρητικό κομμάτι, όπου θα συζητηθούν και αναπτυχθούν όλες οι πτυχές των αρχών της θεατρικής σκηνοθεσίας με ανάλυση παραδειγμάτων. Το δεύτερο θα αφιερωθεί στην πρακτική εφαρμογή του πρώτου. Οι συμμετέχοντες θα προτείνουν έργα και θα οργανώσουν αρχικά την ομαδική και στη συνέχεια την προσωπική τους σκηνοθετική προσέγγιση.

Στόχος του εργαστηρίου είναι όλοι οι συμμετέχοντες να έχουν δοκιμάσει μικρά σκηνοθετικά εγχειρήματα στη διάρκειά του.

Χρόνος: 2 τρίωρα την εβδομάδα : Σάββατο 14:00-17:00 και Τετάρτη 17:30-20:30

Έναρξη Σεμιναρίου Σάββατο 9 Δεκαμβρίου 2017 και λήξη Σάββατο 31 Μαρτίου 2018

Κόστος Σεμιναρίου : 280 ευρώ

Υπεύθυνος εργαστηρίου: Κ. Αλέξης Αλάτσης

Πληροφορίες : Γραμματεία Αρχη 12:00 -17:00 , τηλ 2108810496, www.arhi.gr

Ο Κ. Αλέξης Αλάτσης γεννήθηκε στην Αθήνα. Σπούδασε μουσικολογία, μουσική και θέατρο στο Παρίσι και στο Αμβούργο. Εργάστηκε αρχικά ως βοηθός σκηνοθέτη σε όπερα, θέατρο και χοροθέατρο (με τους Derek Jarman, Achim Freyer κ.α.) και στη συνέχεια ως σκηνοθέτης από το 1989 σε πολλές χώρες του εξωτερικού. Εργάστηκε από το 1993 ως το 2001 στο Διεθνές Κέντρο Παραστατικών Τεχνών Kampnagel του Αμβούργου ως διευθυντής σκηνής και παραστάσεων, υπεύθυνος παραγωγής, στη διοργάνωση διεθνών φεστιβάλ κλπ.

Γύρισε στην Ελλάδα το 2002 και εργάστηκε διαδοχικά ως Διευθυντής Τομέα Πολιτισμού του ΑΘΗΝΑ 2004, Καλλιτεχνικός Διευθυντής της Πολιτιστικής Πρωτεύουσας ΠΑΤΡΑ 2006 και Καλλιτεχνικός Διευθυντής του Ιδρύματος Μιχάλη Κακογιάννη. Το 2011 ήταν Σύμβουλος Δραματολογίου του Θεάτρου Τέχνης Κάρολος Κουν. Συμμετείχε ως προσκεκλημένος master artist στο Directors Lab (εργαστήρι σκηνοθεσίας) του Lincoln Center της Ν. Υόρκης το 2011.

Οι πιο πρόσφατες σκηνοθετικές του δουλειές (επιλεκτικά) είναι: «ΓΥΝΑΙΚΑ ΒΟΜΒΑ» της Ivana Sajko (Haus der Sinne, Βερολίνο, Θέατρο της Οδού Κεφαλληνίας –Β' Σκηνή, Αθήνα 2017), «Το τέλος του έρωτα» του Pascal Rambert (Ίδρυμα Μιχάλης Κακογιάννης, Φεστιβάλ Γαλλικού Θεάτρου, Αθήνα 2015), «Περί Ζώων» της Ελφρίντε Γέλινεκ (Θέατρο ΤΕΧΝΗΣ – Κάρολος Κουν, Αθήνα 2012), «Ένα Ονειρόδραμα» του Στρίντμπεργκ (Directors Lab 2011, Lincoln Centre, New York), «Dantons Tod» / Ο Θάνατος του Δαντόν του Georg Büchner(Θέατρο BAT, 2011, Βερολίνο, Γερμανία), «CRAVE» [ΔΙΨΑ] της Sarah Kane (Θέατρο ΤΕΧΝΗΣ – Κάρολος Κουν, Αθήνα 2010).

Έχει μεταφράσει πολλούς σύγχρονους θεατρικούς συγγραφείς (Σάρα Κέιν, Μάρτιν Κρίμπ, Ελφρίντε Γέλινεκ, Πέτερ Χάντκε, Χάινερ Μίλλερ, Αλεξάντρα Μπαντέα, Σάαρα Τούρουνεν κ.ά.).

Ημερομηνία δημοσίευσης: 24/11/2017

Σεμινάριο Σωματικού Θεάτρου - Απο την μέθοδο Grotowski στην σύγχρονη performance

Σεμινάριο Σωματικού Θεάτρου

« Απο την μέθοδο Grotowski στην σύγχρονη performance »

Εισηγητής: Σπύρος Κουβαράς

Χώρος: Ανώτερη Δραματική Σχολή Αρχή

Διάρκεια Μαθήματος: 3 ώρες / εβδομάδα, κάθε Πέμπτη 18:30-21:30

Διδακτέες Ώρες:36 ώρες / Από 7 Δεκεμβρίου έως και 15 Μαρτίου

Κόστος συμμετοχής: 180 €, με δυνατότητα αποπληρωμής σε 4 δόσεις

Μέγιστος αριθμός συμμετεχόντων: 12 άτομα

Προφίλ συμμετεχόντων: Ηθοποιοί, χορευτές, σπουδαστές και τελειόφοιτοι δραματικών σχολών

Πληροφορίες και εγγραφές: 6939769081, 2108810496 (Δραματική Σχολή Αρχή), synthesis748@gmail.com

https://goo.gl/TleJXv (αφιέρωμα στο χορογραφικό έργο του Σπύρου Κουβαρά απο το LandEscape Art Review)

Links: http://vimeo.com/channels/synthesis748

https://www.facebook.com/utopies.danse

https://www.facebook.com/synthesis748/

ΠΕΡΙΕΧΟΜΕΝΟ ΣΕΜΙΝΑΡΙΟΥ

Στο Σεμινάριο Σωματικού Θεάτρου του Σπύρου Κουβαρά, της Compagnie Synthesis 748 απο το Παρίσι, οι συμμετέχοντες θα γνωρίσουν και θα εμβαθύνουν σε μια μέθοδο μη λεκτικής δραματουργίας εκεί όπου το σώμα και η κίνηση αποτελούν τα μείζονα σκηνικά εργαλεία του ηθοποιού. Με αφετηρία τις τεχνικές και θεωρητικές προσεγγίσεις του Jerzy Grotowski, η συγκεκριμένη μέθοδος, εξωτερικευμένη μέσω της σωματικής ερμηνείας και της δημιουργικότητας του καθένα, θα οδηγήσει τους συμμετέχοντες μέχρι την κινησιολογική σύνθεση και την physical performance. Η κίνηση θα «υποκαταστήσει» το κείμενο, το ίδιο το ανθρώπινο σώμα θα λειτουργήσει σαν κείμενο και η θεατρική αφήγηση θα πάρει την μορφή μιας βουβής συμφωνίας εικόνων. Μέσω ασκήσεων τεχνικής και δομημένων αυτοσχσεδιασμών, θα έρθει γενικά ο ηθοποιός-performer πιο κοντά προς την αφηρημένη εικόνα (abstract image), πιο κοντά σε ένα εικονοκλαστικό θέατρο στην λογική σύγχρονων σκηνοθετών όπως R. Castellucci, B. Wilson, P. Bonté και P. Genty μεταξύ άλλων. Η δραματουργική προσέγγιση στο σεμινάριο του Σπύρου Κουβαρά αποκαλύπτεται καταρχήν με άξονα την κίνηση, με όχημα ένα συχνά αφαιρετικό και μη νατουραλιστικό σωματικό παίξιμο. Η χρήση του κειμένου εμφανίζεται προαιρετικά και δουλεύετε κυρίως σαν συμπληρωματική «μουσική υπόκρουση», σαν θραύσμα της κίνησης. Αυτές οι προσεγγίσεις θα γίνουν μέσα απο την σχέση του σώματος με τον χώρο, μέσα απο την σχέση του με τον χρόνο και την δυναμική καθώς και μέσα απο τον κινησιολογικό διάλογο με τους άλλους.

Στους συμμετέχοντες θα δωθούν πιστοποιητικά βεβαίωσης (Certificat d'Aptitude) παρακολούθησης απο την Compagnie Synthesis 748 - Spyros Kouvaras.

1ο στάδιο / Προσέγγιση Μεθόδου Grotowski

Ανάλυση και πρακτική των βασικών σωματικών ασκήσεων, Corporals και Plastiques, του Jerzy Grotowski, που στοχεύουν στην ανάπτυξη της νοητικής και σωματικής αντοχής του ηθοποιού. Προσέγγιση σε βασικές κινησιολογικές, θεμελιώδεις, αρχές ανατομίας, και φυσιολογίας που θα διευκολύνουν την τοποθέτηση του κινούμενου σώματος στη σκηνή, θα προετοιμάσουν το σώμα του ηθοποιού και θα διαμορφώσουν την σχέση του με τον χώρο, τον χρόνο και τους άλλους.

2ο στάδιο / Σωματικότητα και Ποιητική της εικόνας

Το δεύτερο στάδιο του σεμιναρίου θα επικεντρωθεί πάνω στις διαφορετικές ποιότητες κίνησης, στις διαφορετικές ρυθμικές δυναμικές και θα αναπτυχθεί προοδευτικά μια θεατρική γραφή βασιζόμενη όχι στο κείμενο αλλά στην δύναμη της εικόνας, όπως αυτή προκύπτει απο την τοποθέτηση των σωμάτων στον χώρο. Θα ερευνηθεί ο τρόπος που ο ηθοποιός οδηγείται στην μη λεκτική δραματουργία βασιζόμενος στην κίνηση και το σώμα του.

3ο στάδιο / Σύνθεση – Physical Performance – Παράσταση

Στο τρίτο και τελευταίο μέρος του σεμιναρίου, μέσω συγκεκριμένων θεματικών και μέσω δομημένων αυτοσχεδιασμών (σε σόλο, ντουέτο και ανσάμπλ), θα δώθεί στους συμμετέχοντες η δυνατότητα να εμβαθύνουν στις τεχνικές και στα στοιχεία που θα έχουν αναλυθεί στα προηγούμενα στάδια, δημιουργώντας έτσι οι ίδιοι κινησιολογικές συνθέσεις και performances.

SPYROS KOUVARAS / SYNTHESIS 748 DANCE COMPANY

Ο Σπύρος Κουβαράς είναι χορογράφος, χορευτής και performer με βάση του την Αθήνα και το Παρίσι. Σπούδασε Graphic Design, Εφαρμοσμένες Τέχνες και Ιστορία της Τέχνης στο κολλέγιο ΑΚΤΟ στην Αθήνα, σύγχρονο χορό και χορογραφία-performance στο Centre National de la Danse και στο Studio Ménagerie de Verre στο Παρίσι και αποφοίτησε με άριστα απο την Ευρωπαϊκή Ακαδημία Σωματικού Θεάτρου - Académie Européenne de Théâtre Corporel, υπο την διεύθυνση της Ella Jaroszewich.

Εγκατεστημένος απο το 2003 έως το 2015 στο Παρίσι, ιδρύει τον Μάιο του 2008 την Synthesis 748 και αναπτύσσει ένα προσωπικό χορογραφικό και κινητικό λεξιλόγιο που αποκλίνει απο τις αναγνωρίσιμες φόρμες του σύγχρονου χορού. Η χορογραφική πρακτική του Σπύρου Κουβαρά εξετάζει την σχέση σώματος, ήχου και εικόνας, ανθρώπινου υποκειμένου και εικαστικού αντικειμένου και οι παραστάσεις του συχνά παίρνουν μια υβριδική μορφή ενίοτε σαν χορογραφημένα installations.

Η Synthesis 748, απο το 2010 εως το 2015 επιχορηγήθηκε απο το Γαλλικό Υπουργείο Πολιτισμού και το Γαλλικό Εθνικό Κέντρο Χορού στο Παρίσι και έχει καταγράψει διεθνή πορεία με δημοσιεύσεις των έργων της σε σημαντικές βιβλιογραφικές εκδόσεις σύγχρονης τέχνης. Απο το 2016 η έδρα της ομάδας έχει μεταφερθεί στην Αθήνα και η Synthesis 748 επιχορηγείται απο το Υπουργείο Πολιτισμού και Αθλητισμού.

Τα έργα του Σπύρου Κουβαρά , «L'isolement dans un espace infini», «You cannot enter twice the same river», «Nova Aetas», «L'homme qui marche sur la colonne», «OPUS I # temporality», «Ανάσκαμμα # 1: Άτιτλο (Μνήμη)», «10 -22 sec», «3 mountains not to climb» και «Aequam» έχουν παρουσιαστεί σε θέατρα, γκαλερί, μουσεία και σημαντικά φεστιβάλ σύγχρονου χορού σε Γαλλία, Γερμανία, Ελλάδα, Σουηδία, Βέλγιο, Ιταλία, Αργεντινή και Κολομβία.

Το 2016, ο Σπύρος Κουβαράς είχε διακαλλιτεχνική συνεργασία και με το πείραμα CERN στα γαλλοελβετικά σύνορα, που τον τίμησε με την ανάθεση της χορογράφησης, οπτικοακουστικής εγκατάστασης του INFN. Είναι resident artist στο Διεθνές Δίκτυο Σύγχρονων Καλλιτεχνών, Pépinières Européennes στην Γαλλία και υποστηρίζεται για το χορογραφικό του έργο και την έρευνα του γύρω απο την σχέση του σύγχρονου χορού με τις εικαστικές τέχνες απο το Ίδρυμα Ιωάννου Φ. Κωστοπούλου.

Ο Σπύρος Κουβαράς διοργανώνει και παραδίδει στην Ελλάδα και στο εξωτερικό, το master class Σεμινάριο Χορογραφικής Σύνθεσης: Choreographic Installations, το οποίο απευθύνεται σε τελειόφοιτους επαγγελματικών σχολών χορού, χορογράφους και σύγχρονους χορευτές. Διδάσκει επίσης και διοργανώνει σεμινάρια σύγχρονης χορογραφίας-performance, κίνησης για ηθοποιούς και σωματικού θεάτρου στην Ελλάδα και στο εξωτερικό, μεταξύ των οποίων στην École Nationale Supérieur d'Art Dramatique de Paris (CNSAD), Théâtre de la Danse και CNSMD στο Παρίσι, Ανωτέρα Δραματική Σχολή Αρχή της Νέλλης Καρρά και New York Acting Studio στην Αθήνα. Παράλληλα διευθύνει και το 1ο Laboratory of Physical Theatre στην Πάτρα, το οποίο διοργανώνεται σε ετήσια βάση στο θέατρο ACT με την συμμετοχή περισσότερων απο 20 ατόμων.

Ημερομηνία δημοσίευσης: 10/11/2017

Σημειώσεις πάνω στην εκπαιδευτική φιλοσοφία και τις αρχές της Σχολής

ΣΗΜΕΙΩΣΕΙΣ

ΠΑΝΩ

ΣΤΗΝ ΕΚΠΑΙΔΕΥΤΙΚΗ ΜΑΣ ΦΙΛΟΣΟΦΙΑ ΚΑΙ ΤΙΣ ΠΑΙΔΑΓΩΓΙΚΕΣ ΜΑΣ ΑΡΧΕΣ

ΧΩΡΟΣ ΣΥΝΑΝΤΗΣΗΣ

Η τέχνη του θεάτρου και η εκπαιδευτική διαδικασία που επιτρέπει την είσοδο σε αυτήν είναι ένας χώρος συνάντησης. Η κατανόηση της δυναμικής αυτού του χώρου συνάντησης είναι ο πυρήνας της δικής μας προσέγγισης, η οποία είναι ανθρωποκεντρική και όχι συστηματοκεντρική, δραστηριοκεντρική και όχι προσωποκεντρική. Οι ενέργειες των ανθρώπων (σπουδαστών και δασκάλων) συναντώνται σε ένα χώρο έρευνας και αναζήτησης με σκοπό να βρουν την ουσιαστικότερη κάθε φορά διαδρομή που θα οδηγήσει τους ανθρώπους στην κατάκτηση της δημιουργικής διαδικασίας και της καλλιτεχνικής ελευθερίας.

Ανθρωποκεντρική προσέγγιση για μας σημαίνει ότι οι τεχνικές, η εκπαίδευση, οι ασκήσεις, τα συστήματα, η θεωρία, η ιστορία, όλα τα μέσα προσφέρονται στο άτομο, ώστε να τα χρησιμοποιήσει για να καλύψει την επιθυμία του και την ανάγκη του να βρει πρόσβαση στην τέχνη του θεάτρου και όχι ως στατικά δεδομένα για να κριθεί ο σπουδαστής, να εγκριθεί ή να απορριφθεί, από άλλους που αυτοπροσδιορίζονται ως ελεγκτική αρχή πάνω στο τι είναι η τέχνη του θεάτρου, τι χρειάζεται και τι θα χρειαστεί στο μέλλον.

Σε αντίθεση με την κυρίαρχη πρακτική της εκπαιδευτικής προσέγγισης στη χώρα μας, που είναι διαποτισμένη από ένα έλλειμμα εμπιστοσύνης στο δημιουργικό μυαλό του νέου ανθρώπου, εμείς προσπαθούμε να ακούσουμε τις ανάγκες, τις ελλείψεις και τα ενεργειακά πλεονάσματα των νέων ανθρώπων και να τους προσφέρουμε ένα περιβάλλον πλούσιο σε ερεθίσματα και πληροφορίες, που προσπαθούν να γεφυρώσουν σημαντικές πρακτικές και συστήματα του παρελθόντος με σύγχρονες αναζητήσεις και εξελίξεις, έτσι ώστε να βοηθήσουμε, με τη μέγιστη δυνατή γενναιοδωρία, στη διαμόρφωση ενός μέλλοντος που θα είναι το δικό τους.

Δραστηριοκεντρική, και όχι προσωποκεντρική, προσέγγιση για μας σημαίνει ότι δεν αναγνωρίζουμε σε κανέναν τη δυνατότητα να κατέχει το ιερό δισκοπότηρο της θεατρικής εκπαίδευσης και σε κανέναν την ιδιότητα του σταυροφόρου της προστασίας και υπεράσπισής του. Η τέχνη του θεάτρου είναι μια ιστορία σύνθεσης και συνεργασίας, όπου το “τι” και το “προς τα που” είναι πολύ πιο σημαντικά από το “ποιος”. Αυτό αφορά τόσο στη σύνθεση και τη συνεργασία του εκπαιδευτικού μας δυναμικού, που προσπαθεί να προσφέρει στους σπουδαστές τις περισσότερες δυνατές εισόδους στη δημιουργική διαδικασία, τη θεατρική πρακτική και τις τεχνικές της, όσο και στη γενικότερη φιλοσοφία των πρακτικών μας, που σκοπό έχει να βάλει σε προτεραιότητα την ενεργοποίηση μιας σκέψης που περιλαμβάνει, συνθέτει και συσχετίζει και όχι μιας σκέψης που αποκλείει για να αισθανθεί ασφαλής.

Η ψευδαίσθηση αυτής της ασφάλειας συνιστά για εμάς ένα από τα μεγαλύτερα εμπόδια στο δρόμο προς τη δημιουργικότητα και την παραγωγική ανταλλαγή ιδεών και τρόπων. Άμεσα ή έμμεσα, αυτό το αίτημα ασφάλειας ποινικοποιεί το ρίσκο, μειώνει την περιέργεια και κάνει νέες προτάσεις να μοιάζουν ανέφικτες προτού καν δοκιμαστούν. Μια παράδοση εξέλιξης δημιουργικών συνεργατών, ανοιχτών σε αναζητήσεις, είναι για μας πολύ πιο ελκυστική από μια παράδοση πιστών ακολούθων που περιχαρακώνονται σε ένα σύστημα, το οποίο, λειτουργώντας ως ταυτότητα, τους θωρακίζει.

ΔΟΥΛΕΙΑ ΠΑΝΩ ΣΤΗ ΜΟΝΑΔΙΚΟΤΗΤΑ ΚΑΙ ΤΗΝ ΠΡΟΟΠΤΙΚΗ ΤΗΣ ΔΥΝΑΤΟΤΗΤΑΣ

Για μας η έννοια του ταλέντου δεν είναι θέσφατο. Είναι μια πιθανότητα που μπορεί να ενεργοποιηθεί. Όπως η ζωγραφική δεν υπάρχει μόνο επειδή υπήρξαν ο Ραφαήλ ή ο Φράνσις Μπέικον, έτσι και το θέατρο ή ο κινηματογράφος δεν υπάρχουν μόνο επειδή υπήρξαν ο Στανισλάβσκι, ο Λώρενς Ολίβιε ή ο Φελίνι. Όπως πολύ ανάγλυφα, ανθρώπινα και αφοπλιστικά λέει ο Νικολάι Ντιμίντοφ, όχι το ταλέντο, ούτε η ιδιοφυΐα, αλλά η ικανότητα – αυτό είναι το στοιχείο που χαρακτηρίζει την πλειοψηφία όσων συνθέτουν το ανθρώπινο δυναμικό της τέχνης του θεάτρου!

Άρα η δουλειά του δασκάλου – που δεν έχει τα ίδια χαρακτηριστικά με αυτή ενός casting director – είναι να βοηθήσει τον μαθητή να αναπτύξει τις υποκριτικές δυνατότητες που υπάρχουν σε αυτόν, ώστε να καταφέρει ίσως κάποτε ο μαθητής να συναντήσει το ταλέντο του ή την σκηνική του ιδιοφυΐα.

Γι' αυτό και στην εκπαιδευτική διαδικασία που προτείνουμε εμείς, η αφετηρία βρίσκεται στη μοναδικότητα του κάθε σπουδαστή και όχι στην κατηγοριοποίηση των σπουδαστών. Ευαλτήριό μας είναι εξίσου οι αδυναμίες και οι δυνατότητές τους, ο συνδυασμός αυτού που λείπει και αυτού που περισσεύει μέσα στη σύνθεση μίας δημιουργικής πορείας.

Γι' αυτό και πεποίθησή μας είναι ότι αυτό που μπορεί να παρατηρήσει κανείς σε μια επαγγελματική πορεία σπουδής είναι η ανταπόκριση σε καθημερινή βάση του ατόμου σε συγκεκριμένες απαιτήσεις που σχετίζονται με συγκεκριμένους (βραχυπρόθεσμους) στόχους. Και αυτοί οι στόχοι είναι που συνιστούν τη βάση για μια εμπεριστατωμένη και ευέλικτη συνέχεια στο πλαίσιο μιας συγκεκριμένης και σταδιακής προσέγγισης της καλλιτεχνικής διαδικασίας.

Το παν είναι να δημιουργήσεις ένα περιβάλλον υψηλής ενεργειακής συγκέντρωσης, σωματικής αντίληψης, πρακτικής άσκησης και συνδυασμένης πνευματικής και σωματικής ενδυνάμωσης που κατακτά, σταδιακά, μεγαλύτερη διάρκεια στο χρόνο και επιτρέπει στον σπουδαστή αλλά και στον δάσκαλο να περάσουν από τη γενική πρόθεση στη βαθιά κατανόηση, έτσι ώστε να καταλήξουν σε μια ωρίμανση και μια καλλιτεχνική εμβάθυνση που είναι αέναη.

Το κυνήγι βεβιασμένων αποτελεσμάτων, η δουλειά σε σχέση με πρόχειρες κατηγοριοποιήσεις και η εξάρτηση από αυτή την προχειρότητα είναι κοινοί εχθροί όποιας καλλιτεχνικής και εκπαιδευτικής διαδικασίας.

Η ΣΧΕΣΗ ΕΛΕΥΘΕΡΙΑΣ ΚΑΙ ΠΕΙΘΑΡΧΙΑΣ

Μία παράμετρος αντίληψης που θεωρούμε ζωτική για τον τωρινό σπουδαστή και μελλοντικό καλλιτέχνη είναι να αρχίσει να θεωρεί και να αντιλαμβάνεται πρακτικά τη σχέση του με την ελευθερία ως μη δεδομένη.

Προτού λοιπόν φέρουμε στο επίκεντρο της εκπαιδευτικής μας πρακτικής την κατάκτηση της όποιας τεχνικής, θεωρούμε σημαντικό στάδιο της καλλιτεχνικής μας προσέγγισης το να διευκρινίσουμε τη σχέση ανάμεσα στη δημιουργική διαδικασία και την ελευθερία. Γιατί μόλις γίνει σαφές ότι η δημιουργική διαδικασία και οι τεχνικές της ελευθερώνουν και ενδυναμώνουν ενεργητικά την καλλιτεχνική έκφραση, η αναζήτηση της ελευθερίας γίνεται, από μόνη της, αρκετό κίνητρο ώστε να επιβάλλει μόνος του ο σπουδαστής στον εαυτό του την πειθαρχία που είναι απαραίτητη για τη διατήρηση αυτής της ελευθερίας. Επομένως, καθοδήγηση και ένα περιβάλλον πλούσιο σε πληροφορίες είναι το μόνο που ουσιαστικά και πρακτικά απαιτείται, ενώ έξωθεν προσπάθειες ελέγχου μέσω της επιτήρησης ή της επιβολής μιας ομοιομορφίας θεωρούνται άσχετες και πραγματικά επιζήμιες ως προς την ανάπτυξη της προσωπικής ευθύνης.

Η ελευθερία μέσα στο πλαίσιο ενός συλλογικού έργου – που είναι το μόνο που μπορεί να δημιουργήσει το θέατρο: ένα συλλογικό έργο – πρέπει να ανακαλυφθεί εκ νέου μέσα από τις δημιουργικές δυναμικές που παράγονται, η πειθαρχία να ταυτιστεί με τον σεβασμό στον “Άλλο” και η εξερεύνηση άγνωστων δυναμικών αλληλεπίδρασης να ακονίσει την ευθύνη.

Τότε μπορεί ο σπουδαστής και οι συνεργαζόμενες πλευρές να καταλάβουν πρακτικά ότι η ελευθερία δεν είναι μόνο μια έννοια που ταυτίζεται με την ελευθερία της έκφρασης αλλά και – κυρίως – με την απελευθέρωση από τον φόβο του “Άλλου”.

ΤΟ ΔΙΚΑΙΩΜΑ ΣΤΟ “ΔΕΝ ΞΕΡΩ”

Κάθε σύστημα είναι παράγωγο της εποχής του και κάθε σύστημα οφείλει να εξελίσσεται και να εμπλουτίζεται ανάλογα με την εποχή που το αξιοποιεί. Όλα τα συστήματα ωστόσο άρχισαν ως περιέργεια και αναζήτηση κάποιου για την ανάπτυξη μιας ευρύτερης ελευθερίας. Ως εκ τούτου, το πρώτο βήμα για μας προς οποιαδήποτε αποτελεσματική προσέγγιση σε συστήματα είναι η νομιμοποίηση του δικαιώματος να μην ξέρεις. Κανείς δεν γεννιέται με γνώση κατακτημένη και ολοκληρωτική. Ο σεβασμός του “δεν ξέρω” μάς επιτρέπει να απελευθερώσουμε την ενέργεια που ονομάζουμε περιέργεια. Είναι η πιο ισχυρή ενέργεια που έχουμε στο δρόμο προς τη μάθηση, μετά το ένστικτο της επιβίωσης. Όταν αυτή η ενέργεια της περιέργειας εκλύεται μέσα σε ένα δημιουργικό περιβάλλον, η εξερεύνηση και η ανακάλυψη ακολουθούν με τρόπο φυσικό. Και τότε η χαρά της ανακάλυψης μπορεί να γίνει τρόπος ζωής. Αν δε θυμηθούμε αυτό το βασικό χαρακτηριστικό της ανθρώπινης υπόστασής μας, κανένα σύστημα δεν μπορεί να γίνει ζωτική και ζωογόνα δύναμη.

ΟΜΑΔΙΚΕΣ ΔΙΑΔΙΚΑΣΙΕΣ ΚΑΙ ΛΕΙΤΟΥΡΓΙΕΣ

Κυρίαρχη παιδαγωγική επιλογή της δημιουργικής διαδικασίας που προτείνουμε και εφαρμόζουμε είναι η ομαδική λειτουργία.

Έχει αποδειχτεί επιστημονικά ότι μαθαίνουμε καλύτερα και περισσότερο σε ομάδες. Όταν “ο Άλλος” γίνεται πηγή ενέργειας και ανακαλύψεων, ο ανταγωνισμός αντικαθίσταται από τη συνεργασία και η κριτική παραχωρεί τη θέση της στη γενναιοδωρία. Το να είσαι διαφορετικός γίνεται μάλλον ενδιαφέρον παρά απειλητικό. Ο φόβος και η επιθετικότητα που αυτός γεννά αντικαθίστανται από τη δημιουργική συνεργασία που βασίζεται στο σεβασμό. Τότε γίνεται ευκολότερο να καθοδηγηθούν μεγαλύτερα σύνολα, γιατί οι άνθρωποι δεν χρειάζονται και δεν περιμένουν πια να μάθουν μόνο όταν ο δάσκαλος επικεντρώνεται αποκλειστικά πάνω στον καθένα τους ξεχωριστά. Μαθαίνουν από ο,τιδήποτε συμβαίνει γύρω τους και σε ομάδες αποκτούν την ικανότητα να εκπαιδεύονται με ανεξαρτησία πολύ καλύτερα και γρηγορότερα και πιο άμεσα.

Η ομοιομορφία δεν εξασφαλίζει απαραιτήτως την ποιότητα. Αλλιώς η πρωτοβάθμια και δευτεροβάθμια εκπαίδευση, όπως είναι αυτή τη στιγμή, θα ενθάρρυναν τη δημιουργικότητα σε όλα τα παιδιά. Μελέτες, όμως, που έχουν γίνει σε σχέση με την ανάπτυξη συγκεκριμένων χαρακτηριστικών της δημιουργικής ευφυΐας κατά τη διάρκεια των χρόνων της υποχρεωτικής εκπαίδευσης, έδειξαν ότι το ποσοστό των χαρακτηριστικών της δημιουργικής ευφυΐας του ίδιου συνόλου ανθρώπων πέφτει από το 80% στην προσχολική ηλικία σε ποσοστό μικρότερο από το 5% την στιγμή που φτάνουν στο πανεπιστήμιο!

Η ομαδική λειτουργία παράγει πρωτόγνωρες δυναμικές και θυμίζει στον άνθρωπο ότι το “μαζί” είναι ο λόγος της ύπαρξής του. Ο σπουδαστής γίνεται πιο ενθουσιώδης και υπεύθυνος στο να δουλεύει πάνω στο πως δουλεύουμε με σκοπό να φτάσουμε σε ένα αποτέλεσμα που δεν είναι προϊόν του αυτάρεσκου ή ανασφαλούς μας “εγώ” αλλά σύνθεση διαφορετικών ενεργειών και δυναμικών και προϊόν μίας συλλογικής φαντασίας που αναδεικνύει όλους τους εμπλεκόμενους (σκηνοθέτες, ηθοποιούς κ.λπ.) σε εξίσου σημαντικούς καλλιτέχνες και κρίκους ενός ενιαίου έργου.

Η ΤΕΧΝΗ ΤΗΣ ΣΥΛΛΟΓΙΚΗΣ ΑΦΗΓΗΣΗΣ

Βασική αφετηρία της σκέψης μας είναι ότι αυτό που πρωτίστως υπηρετεί το θέατρο είναι η τέχνη της συλλογικής αφήγησης. Ο σπουδαστής, προτού μάθει να “παίζει”, πρέπει να μάθει να λέει μια ιστορία με την καθαρότητα, την απλότητα και την απολυτότητα ενός παραμυθά αλλά και ενταγμένος σε μια ομαδική λειτουργία.

Γι' αυτό και ο προγραμματισμός μας είναι έτσι δομημένος ώστε να οδηγεί σταδιακά στην εκπλήρωση αυτού του στόχου.

Προσπαθούμε να προσεγγίσουμε με μια καθολικότητα το όργανο του ηθοποιού (νους, σώμα, συναίσθημα, φαντασία) και να εμπλουτίσουμε τη διαδικασία του σπουδαστή με τεχνικές (σωματικές, φωνητικές κ.λπ.) χωρίς όμως να προβάλουμε το στοιχείο της δεξιότητας.

Ουσιαστικός μας στόχος είναι η συνολική χρήση των εργαλείων που ενδυναμώνουν τόσο τη σωματική όσο και τη γλωσσική έκφραση του ηθοποιού. Προσπαθούμε να βάλουμε τον σπουδαστή σε ένα είδος σκέψης, που τον κάνει να αξιοποιεί τις τεχνικές του δυνατότητες στο βαθμό που του χρειάζονται κάθε φορά γα να γίνει καλύτερος αφηγητής μιας ιστορίας.

Το ίδιο σκεπτικό οδηγεί και τα υπόλοιπο θεωρητικά ή καλλιτεχνικά μαθήματα (Ιστορία, δραματολογία, σκηνογραφία, φωτισμός κ.λπ.), που δεν είναι αποκομμένα από τη προσπάθεια ενδυνάμωσης αυτής της λογικής. Και ακόμη περισσότερο το ίδιο σκεπτικό οδηγεί και τα μαθήματα της υποκριτικής, όπου το να παίξει και να μιλήσει ο σπουδαστής θεατρικά κείμενα είναι ένας μεσοπρόθεσμος στόχος που ενεργοποιείται από το δεύτερο έτος και αφότου ο σπουδαστής έχει ανιχνεύσει, μέσω άλλων εισόδων, στοιχεία για το χτίσιμο του χαρακτήρα, τη ροή των γεγονότων και τη δομή μιας ιστορίας, την αίσθηση του χώρου, του χρόνου, του ρυθμού και της ατμόσφαιρας. Αφού δηλαδή πρώτα αρχίσει να προσεγγίζει, μέσω άλλων κειμένων (ποιημάτων, διηγημάτων, devised κειμένων κ.λπ.), την υλική υπόσταση του λόγου, ώστε να αντιληφθεί ότι ο λόγος είναι το τελικό στοιχείο που προστίθεται, για να ακονίσει περαιτέρω ένα ήδη ενεργοποιημένο σώμα και έναν ήδη ευαισθητοποιημένο ψυχισμό, χωρίς να αποκόπτεται και να αυτονομείται.

ΖΗΤΗΜΑ ΑΜΟΙΒΑΙΑΣ ΕΠΙΛΟΓΗΣ

Το γενικότερο δημιουργικό πλαίσιο που προσπαθούμε καθημερινά να διαμορφώσουμε έχει αρχή του την αποφυγή κάθε δογματισμού και βασίζεται στο ερώτημα του τι μπορεί να είναι ή να γίνει η θεατρική εκπαίδευση πέρα από ό,τι μπορεί κανείς να φανταστεί αυτή τη στιγμή. Γι' αυτό και προσφέρουμε, με ανοιχτό πνεύμα, διαφορετικές επιλογές, προκειμένου ο σπουδαστής να εφοδιαστεί με τα χρησιμότερα δυνατά μέσα για να καταφέρει να καταλάβει προς τα που πρέπει να πάει για να βρει αυτό που ψάχνει και με ποιον τρόπο. Αυτό είναι θέμα επιλογής.

Και η συνάντησή μας και η δουλειά μας με τους εκάστοτε σπουδαστές μας είναι μια διαδικασία διαρκούς αμοιβαίας επιλογής. Δεν επιλέγουμε μόνον εμείς τους σπουδαστές μας μέσα από αυτό που πιστεύουμε για τις δυνατότητές τους και με βάση το πως μπορούν να ανταποκριθούν και να αξιοποιήσουν το χώρο συνάντησης που προτείνουμε. Θεωρούμε ότι και εκείνοι έχουν το δικαίωμα και ταυτόχρονα την ευθύνη να επιλέξουν ή όχι εμάς, ανάλογα με το πόσο συγγενείς αισθάνονται απέναντι σε αυτό που έχουμε να τους προτείνουμε και ανάλογα με το πόσο και αν οι στόχοι τους μπορούν να καλυφθούν μέσα από τη διαδρομή στην οποία εμείς πιστεύουμε.

Αυτή η διαδικασία συνεχούς επαναξιολόγησης που προσπαθεί να αποφύγει κάθε έννοια αυτονόητου και να οξύνει το αίσθημα ευθύνης δεν είναι καθόλου εύκολη και χρειάζεται διαρκή τριβή. Γι' αυτό και πέρα από τις 7 ή 8 ώρες των καθημερινών μαθημάτων, η σχολή προσφέρει στους σπουδαστές της τις αίθουσες και τις υποδομές της (αναλαμβάνοντας αποκλειστικά το οικονομικό κόστος αυτής της επιλογής) σε 24ωρη βάση προκειμένου οι σπουδαστές να έχουν συνέχεια στις αναζητήσεις τους και ένα διαθέσιμο περιβάλλον για να εργαστούν και να δοκιμάσουν περισσότερο και σε βάθος.

Πεποίθηση μας είναι ότι κάθε συνάντηση και κάθε συνύπαρξη δοκιμάζεται στο χρόνο και με τη συνεχή τριβή και ανθίζει βασισμένη στο σπόρο της αμοιβαίας επιλογής.

Ημερομηνία δημοσίευσης: 04/09/2017

Ενημέρωση για Αιτήσεις Εισαγωγικών Εξετάσεων 2017

Καλό Καλοκαίρι!

Η Ανώτερη Σχολή Δραματικής Τέχνης ΑΡΧΗ, ενημερώνει όλους τους ενδιαφερόμενους υποψήφιους σπουδαστές για το νέο σχολικό έτος 2017-18, ότι οι αιτήσεις για τις εσωτερικές εξετάσεις γίνονται μέσω της ιστοσελίδας μας: www. arhi,gr ή στέλνετε ένα e-mail με τα στοιχεία σας: ονοματεπώνυμο και τηλέφωνο επικοινωνίας: arhi@hol.gr ή arhi.karra@gmail.com

Η γραμματεία της Σχολής θα είναι σε διακοπές από- 31 Ιουλίου -28 Αυγούστου

Μετά την περίοδο των διακοπών θα επικοινωνήσουμε μαζί σας για τις ημερομηνίες των εισαγωγικών εξετάσεων του Σεπτεμβρίου ή μας καλείτε στο τηλ 2108810496 ώρες 12:00-17:00.

ΑΙΤΗΣΗ ΣΥΜΜΕΤΟΧΗΣ ΣΤΙΣ ΕΙΣΑΓΩΓΙΚΕΣ

ΕΞΕΤΑΣΕΙΣ Σχολικό έτος 2017 -18

Επώνυμο… …………………………………………

Όνομα… ……………………

Όνομα πατέρα………

……………

Όνομα μητέρας… …………………

Ημερομηνία γέννησης…… ……

Τόπος γέννησης…… ……………………………

Τόπος κατοικίας………………………

Οδός………………………………………………αριθ………….τ.κ……….

Τηλέφωνο (σταθερό)…………………Τηλεφ ( κινητό)………………….

e-mail:…… ………………………………………..

Παρακαλώ δεχτείτε την αίτηση εγγραφής της συμμετοχής μου στις εσωτερικές εξετάσεις της Ανώτερης Σχολής Δραματικής Τέχνης "ΑΡΧΗ" του Οργανισμού Θεατρικής Κίνησης.

Υπογραφή

Αθήνα …………………2017

Ημερομηνία δημοσίευσης: 28/07/2017

Παραστάσεις Σύγχρονων Έργων Τελειοφοίτων, Ιούνιος 2017

Παραστάσεις Σύγχρονων Έργων Τελειοφοίτων, Ιούνιος 2017

Στο Θέατρο της Σχολής

Είσοδος Ελεύθερη

Κρατήσεις θέσεων τηλ. 2108810496 (12:00-17:00) και στο κινητό 6979968461 ( μόνο Σάββατο κ Κυριακή)

Διδασκαλία-Επιμέλεια Νέλλη Καρρά

Τετάρτη 28 και Πέμπτη 29/ 06

Ώρα 21:00 « Η Ευκαιρία της Ζωής της» του Alan Bennett

( Μετάφραση: Άννα Γκούντρα) .

Ώρα 21:45 « Κρεβάτι ανάμεσα στις φακές» του Alan Bennett

(Μετάφραση: Ερρίκος Μπελιές)

Σάββατο 01 και Κυριακή 02/ 07

Ώρα 18:00 « Η Αλίκη στους κήπους του Λουξεμβούργου» του WEINGARTEN ROMAIN

( Μετάφραση: Γιάννης Θηβαίος)

Ώρα 19:30 «Αέρας» του Βαγγέλη Χατζηγιαννίδη

Ώρα:21:00 « Dealing with Claire» του Martin Grimp

Τρίτη 04 και Τετάρτη 05/07

΄Ωρα : 20:30 « Πυρκαγιές» του Ουαζντί Μουαουάντ

( Μετάφραση: Έφη Γιαννοπούλου)

Παρασκευή 07 και Σάββατο 08/07

Ώρα: 20:00 «Fen» της Caryl Churchill

( Μετάφραση: Βίκυ Γεωργιάδου, Μαριάννα Καναβού και Σάντυ Μαρκογιαννάκη)

Ημερομηνία δημοσίευσης: 28/06/2017

Παραστάσεις τελειοφοίτων " Αρχή" Ιούνιος '17

Παραστάσεις τελειοφοίτων της Δραματικής Σχολής Αρχή

Παρασκευή (23/6)

Σάββατο (24/6)

Κυριακή (25/6) στις 20.30

Στο Θέατρο της σχολής Αρχή

Είσοδος Ελεύθερη

Μιχ.Βόδα 13

Τηλέφωνο για κρατήσεις θέσεων::2108810496 (12:00-17:00)

Δράμα σε πέντε πράξεις

Διδασκαλία: Βίκυ Γεωργιάδου

Μετάφραση: Βάσια Βελτσίστα, Βίκυ Γεωργιάδου

Δραματουργική επεξεργασία: Βίκυ Γεωργιάδου

Ημερομηνία δημοσίευσης: 20/06/2017

Παρουσιάσεις Β΄έτους Ιούνιος 2017

Παρασκευή 02/06/2017

Κίνηση: Ώρα 12:00-13:00 Διδασκαλία: Νατάσσα Ζούκα

Ξιφασκία: Ώρα :13:00-14:00 Διδασκαλία: Θάνος Δερμάτης

Υποκριτική-Αυτοσχεδιασμός: Ώρα: 14:30-17:30 Διδασκαλία: Βασίλης Μαυρογεωργίου.

Δευτέρα 05 /06/2017

Κίνηση (Contact Improvisation:): Ώρα 12:00-13:00. Διδασκαλία: Πάρης Μαντόπουλος

Υποκριτική: Ώρα 13:15-16:30 Σκηνές από το έργο «Χειμωνιάτικο Παραμύθι» του Σαίξπηρ. Διδασκαλία: Νέλλη Καρρά

Τετάρτη 07/06/2017

Υποκριτική: Ώρα 11:00 -13:30 . Σκηνές από το έργο «Τρωάδες» του Ευριπίδη

Διδασκαλία: Δημήτρης Ήμελλος

Ημερομηνία δημοσίευσης: 31/05/2017